Dracula di Bram Stoker (1992) è stato un grande successo fin dalla sua uscita nelle sale. Oggi, a tanti anni di distanza, è universalmente considerato un grande cult, se non addirittura uno dei migliori film degli anni ‘90 e non solo. Nonostante il genere di riferimento, l’horror, non sia così popolare quanto altri, l’opera è riuscita, e riesce ancora, ad appassionare un gran numero di persone, tra cui anche i meno avvezzi a questo tipo di cinema. A partire da queste considerazioni, appare chiaro che Dracula di Bram Stoker non sia un film come un altro. Così come appare chiaro, dall’amore che il pubblico nutre per quest’opera, che la chiave del suo successo vada ben oltre gli articolati meccanismi del marketing.
Non è possibile parlare di un film come questo senza parlare anche del suo demiurgo: Francis Ford Coppola. Un nome che non ha bisogno di presentazioni. Partendo dall’inizio, la domanda che occorre porsi è: cosa spinse Coppola a realizzare un adattamento del celebre romanzo di Bram Stoker? All’inizio degli anni ‘90, l’American Zoetrope, la casa di produzione di Coppola, non navigava in acque felici. Negli anni ‘80, infatti, il maestro newyorkese aveva diretto e prodotto film che, per la maggior parte, si rivelarono dei clamorosi flop al botteghino.
Ciò condusse l’American Zoetrope sull’orlo del fallimento, che però riuscì a essere evitato grazie a Il padrino – Parte III (1990), un film che Coppola ha sempre dichiarato essere figlio di esigenze «alimentari». Tuttavia, non era ancora finita. Coppola aveva bisogno di un altro progetto vincente e così si mise alla ricerca di nuovi materiali.
La soluzione a questa ricerca si palesò direttamente davanti al noto regista, perché fu Winona Ryder a consegnargli la sceneggiatura di James V. Hart, tratta dal romanzo di Bram Stoker. Coppola, da sempre grande amante della storia, nonché dei precedenti adattamenti, si rivelò subito entusiasta e si mise immediatamente al lavoro per realizzare il film che tutti oggi conoscono.
Tuttavia, è possibile rintracciare un’altra motivazione dietro alla scelta di realizzare un’opera del genere. Come sempre, è assolutamente fondamentale contestualizzare il momento storico in cui questo film è stato prodotto. Negli anni ‘90 era in atto un vero e proprio periodo di transizione. Il cinema digitale stava gradualmente prendendo piede attraverso i primi esperimenti ed era chiaro a tutti che, nel giro di pochi anni, questa nuova veste della settima arte si sarebbe espansa fino a coinvolgere la maggior parte delle produzioni. Perché è importante sottolineare questo quando si parla di Dracula di Bram Stoker? Perché questo film, più che di ogni altra cosa, è un’opera che riflette sul cinema.
Il vampirismo è una potente metafora della settima arte. Il cinema imprigiona gli attori all’interno dell’inquadratura e ne previene l’invecchiamento, esattamente come il vampirismo conserva la giovinezza e offre l’immortalità. La sala cinematografica è un luogo buio, un’oscurità tagliata solamente dal fascio di luce del proiettore. Il buio: il principale nutrimento del vampiro. Non è un caso che, in Dracula di Bram Stoker, una delle scene chiavi si svolga durante una delle prime rudimentali proiezioni cinematografiche. Una scena che, oltre a segnare un importante punto di svolta narrativo, cristallizza la riflessione metacinematografica di cui questo film si fa portatore.
Il ritorno alle origini: la ricerca dell’autenticità
L’horror, e in particolare il gotico, è storicamente un genere fondamentale nella storia del cinema. Basti pensare al glorioso espressionismo tedesco dei primi del ‘900. Un movimento artistico che ha ispirato, e continua ancora oggi a ispirare, intere generazioni di cineasti. Tra questi vi è ovviamente anche Francis Ford Coppola. Con l’espressionismo avvenne una vera e propria rivoluzione, soprattutto in ambito tecnico: l’utilizzo delle luci, le tecniche di composizione, il modo di pensare una storia da portare in scena. Fu un vero e proprio elemento di rottura. Un avvenimento drastico, come l’avvento del digitale nel cinema diversi decenni dopo.
Ecco perché Coppola, consapevole dell’importante rivoluzione che si stava verificando, decise di lanciarsi in una romantica e appassionante riflessione su quell’arte, il cinema, che è da sempre in continua evoluzione. E quale storia utilizzare, se non quella di Dracula? La stessa che utilizzò Murnau per il suo capolavoro espressionista Nosferatu (1922).
Il conte Dracula in Dracula di Bram Stoker di Francis Ford Coppola (1992)
Affinché questa operazione avesse un senso, Coppola avrebbe dovuto rispettare dei precisi parametri. Su tutti, la totale assenza del digitale, anche e soprattutto negli effetti speciali. Ecco che, quindi, vennero riutilizzate tutte quelle tecniche che caratterizzarono proprio i primi anni di vita del cinema: la classica «prospettiva forzata», utilizzata per ingannare l’occhio della spettatore in merito alle proporzioni delle figure in campo; la sovrapposizione, durante il montaggio, di più inquadrature senza l’utilizzo del computer; il sapiente utilizzo delle ombre, un altro grande rimando all’espressionismo; il pesante trucco a cui venivano sottoposti gli attori; gli oggetti di scena curati alla perfezione; i luoghi evocativi e caratteristici, inquadrati perfettamente grazie alla fotografia di Michael Ballhaus.
Ma questa autenticità era presente anche nell’aspetto recitativo. Infatti, Gary Oldman (il conte Dracula), su suggerimento dello stesso Coppola, sussurrava delle «frasi diaboliche» all’orecchio degli altri attori poco prima di girare le scene insieme. Frasi che, a detta del resto del cast, sono irripetibili. E poi il grande lavoro che è stato fatto sugli accenti. Winona Ryder e Keanu Reeves, rispettivamente Mina e Jonathan Harker, sono americani, ma recitavano con l’accento inglese. Allo stesso modo, Oldman e Anthony Hopkins (Van Helsing) hanno dovuto modificare il proprio accento britannico per conferire alla loro pronuncia una cadenza più internazionale.
L’amore e il sesso
Fin qui, si è evidenziata l’importanza che il concetto di autenticità ha avuto per il film di Coppola. Tuttavia, spostandosi all’interno dell’universo tematico dell’opera, ci si accorge che neanche qui questa autenticità viene meno. Al cuore di tutto, infatti, c’è l’amore. Cosa c’è di più autentico del vero amore? Questo sentimento (assente nel romanzo di Bram Stoker) viene utilizzato nel film in tutte le sue declinazioni.
È presente l’amore inteso come amicizia, quella tra Lucy (Sadie Frost) e Mina. L’amore inteso come profondo rispetto e ammirazione, quello tra il maestro Van Helsing e il discepolo Jack Seward (Richard E. Grant). L’amore fragile e potente allo stesso tempo tra due innamorati, Mina e Jonathan, un sentimento talmente puro da risultare quasi privo di contatto fisico. E poi la lussuria, quella delle spose di Dracula, e il sesso. Il vampiro è il mostro sessuale per eccellenza, in quanto penetra le carni della vittima per trasformarla in qualcosa di simile a lui.
Proprio sulla componente sessuale, il film di Coppola pone un’attenzione particolare. In una scena, Mina e Lucy scherzano sulle posizioni sessuali viste in un’edizione de Le mille e una notte. Il momento in cui Lucy viene morsa da Dracula, trasformatosi in un lupo mannaro, è una scena molto simile a uno stupro. La scena che introduce il personaggio di Van Helsing è ambientata durante una delle sue lezioni universitarie, in cui si discute di sifilide, una malattia del sangue trasmettibile sessualmente.
Senza contare tutte le scene in cui il sesso è una componente esplicita, come quelle che vedono protagonisti Jonathan Harker e le spose di Dracula. Questa attenzione quasi morbosa sull’elemento sessuale è perfettamente coerente con tutto il discorso dell’autenticità. Perché il sesso è un atto fisico che esprime dei concetti astratti. Dall’amore alla perversione.
Di seguito, la meravigliosa Love Song for a Vampire di Annie Lennox, che chiude il film:
Un omaggio romantico negli oceani del tempo
Il film uscì nelle sale nel 1992. Il digitale sarebbe esploso nel giro di pochi anni: basti pensare che siamo a ridosso dell’epoca di Matrix (1999). Ci si può chiedere se Dracula di Bram Stoker sia riuscito nel suo intento. È importante ricordare che l’intento di Francis Ford Coppola non è mai stato quello di fermare l’avanzata del digitale. Anzi, lo stesso Coppola si lanciò in interessanti esperimenti anche su questo fronte. L’obiettivo di quest’opera non era intraprendere un’insensata crociata contro un progresso inevitabile, ma era di tutt’altra natura.
Il conte Dracula in Dracula di Bram Stoker di Francis Ford Coppola (1992)
L’intento del film era quello di rendere un omaggio a un sistema produttivo e artistico giunto al viale del tramonto. Un omaggio romantico, insomma. Attraverso un film sostanzialmente romantico, nonostante fosse l’horror il genere di riferimento. Un film tratto da un romanzo scritto da un autore che riprende alcuni elementi del Romanticismo, quell’età in cui l’arte si occupava di rielaborare il sentimento a discapito della ragione. In cui la pulsione dell’istinto era al centro di ogni cosa e lo struggimento esistenziale era il motore che guidava la vita. Lo stesso struggimento di un vampiro malinconico che attraversa gli oceani del tempo per trovare il suo amore perduto.
Leggi anche: Hugo Cabret – Quando l’arte genere se stessa
