Crimes of the Future – La scomparsa del dolore e la perdita dell’umanità
Saul Tencer: «Il mondo è diventato più pericoloso ora che il dolore è quasi scomparso».
Questa frase riassume il principio che sta alla base della narrazione: in un contesto in cui il dolore fisico è stato quasi completamente rimosso, la comprensione del pericolo, dei confini umani e della vera umanità diventa più complessa da delineare. Cosa ci dà piacere? Quali sono gli stimoli che l’uomo ricerca e dove può ricercarli? E se tutte le fondamenta della speranza e della consapevolezza umana andassero perdute, riducendosi alla ricerca di nuove forme di piacere? La mancanza di dolore ha cambiato l’essere umano, spingendolo a pensare in modo diverso. E se il dolore avesse sempre offerto una visione distorta della nostra vita? E l’unica cosa forte, potente, capace di incidere sul nostro corpo fosse forse proprio l’unica di cui abbiamo bisogno per sentirci più vivi?
Queste sono alcune delle domande che emergono nello spettatore dopo aver visto l’ultimo film di David Cronenberg, Crimes of the Future (2022). I temi presentati sono legati alla sua poetica e invitano lo spettatore a riflettere e a interrogarsi. La società di questo mondo si cela in un ambiente distopico dall’estetica visiva decadente. L’invenzione di macchinari capaci di connettersi con le funzioni corporee e di controllarle a distanza consente alla chirurgia di essere praticata su persone coscienti, in contesti ordinari. La chirurgia, in questi luoghi, si trasforma in un’arte, un modo innovativo per comunicare sentimenti e preservare l’umanità. Il dolore viene cercato incessantemente e presentato come forma d’arte e unico scopo dell’esistenza.
Il Corpo Come Arte
Uno dei temi fondamentali del film è la connessione tra il corpo umano e l’arte. Il protagonista, Saul Tenser (Viggo Mortensen), è un artista della performance che trasforma la produzione di organi nuovi e misteriosi all’interno del proprio corpo in veri e propri spettacoli chirurgici. Accanto a lui c’è Caprice (Léa Seydoux), ex chirurga e collaboratrice creativa, che realizza le operazioni come esibizioni artistiche. Cronenberg esplora il significato del corpo e dell’identità, mostrando Saul e Caprice mentre trasformano la chirurgia in una forma estrema di body art. Il corpo diventa una tela vivente e la chirurgia è vista come una nuova forma di piacere. Cronenberg ha spesso riflettuto su come l’arte rappresenti un linguaggio difficile da delimitare e, in questo film, suggerisce che il dolore stesso potrebbe essere l’unico mezzo per raggiungere una comprensione autentica dell’essere umano. Sessualità e autolesionismo si intrecciano sempre più.
Come afferma il regista, «Non c’è arte senza rischio e non c’è vita senza sofferenza». Questo concetto si esprime in un ambiente in cui il piacere non è più sufficiente e il dolore diventa l’unica via per dare significato alla propria vita, obbligandoci a riflettere su noi stessi.
Cronenberg evidenzia l’inevitabilità del cambiamento, invitandoci a considerare la sofferenza come una forma di trasformazione e a riflettere sull’evoluzione e sull’esistenza. La fotografia cattura questo affresco inquietante di decadenza e degrado, non solo visivo ed estetico, ma anche fisico e interiore, segnato dalla malinconia. Nessun personaggio è positivo: tutti sono drammaticamente convinti che la loro epoca sia effettivamente in caduta.
Il Figlio dell’Inquinamento
Cronenberg non è un regista didascalico: riesce a costruire inquadrature capaci di creare stati d’animo contrastanti. In una delle prime scene del film, il regista decide di mostrare un bambino perso in un ambiente inquinato, cupo e decadente, ma, nonostante ciò, riesce a mostrarci una luce diversa. Il bambino, Brecken, è in grado di nutrirsi della sostanza più nociva che, più di ogni altra, ha danneggiato l’ambiente circostante: la plastica.
In un mondo che non ha più nulla da perdere ed è sempre alla ricerca di nuovi stimoli per tornare a vivere, il regista ci presenta un personaggio capace di nutrirsi di sostanze contaminate. Mostra come la natura cerchi di sopravvivere adattandosi ai cambiamenti terrestri e mutando in relazione all’ambiente. Brecken è figlio dell’inquinamento circostante: forse proprio per questo è una speranza.
La storia raggiunge il suo apice tragico con la sua morte, provocata dalla madre, che respinge ciò che non riesce a comprendere. In quanto diverso, Becken è considerato inumano: sua madre lo soffoca con un cuscino.
La figura del bambino potrebbe simboleggiare il futuro. Cronenberg solleva un interrogativo provocatorio: come ci adattiamo a un ambiente che potrebbe metterci in pericolo? Mentre gli altri protagonisti tentano di modificare i propri corpi attraverso operazioni chirurgiche, Brecken rappresenta una nuova espressione di resilienza biologica.
Dolore e Rinascita nel Cinema di Cronenberg
Cronenberg ha dichiarato che il film segna un cambiamento tematico rispetto ai suoi lavori precedenti, passando dall’orrore fisico ad una dimensione più riflessiva e filosofica:
«Dove i miei primi film mostravano una conquista aggressiva del corpo umano, questo esplora un’armonia emergente, anche nella morte».
(David Cronenberg in un’intervista a BOMB Magazine)
Il film, concepito ed elaborato negli anni Settanta, segna il ritorno del regista all’uso del corpo umano per illustrare dinamiche sociali attraverso il body horror, una tematica ricorrente nelle sue opere. Cronenberg sovverte le aspettative, immergendo lo spettatore in un mondo cupo e drammatico che soffre insieme ai protagonisti.
I personaggi principali, oltre a Brecken, includono Saul e la sua partner Caprice, artefici di una nuova forma d’arte. L’estrazione degli organi diventa uno spettacolo pubblico, simbolo di una nuova forma di espressione artistica. Saul, che non può nutrirsi con cibo tradizionale a causa delle alterazioni del suo organismo, vive questa limitazione trasformandola in performance artistica, nella quale il suo fisico diventa un mezzo per esprimere l’evoluzione del corpo umano.
Caprice: «Tutti percepivamo che il corpo fosse vuoto, privo di significato… e volevamo avere la conferma per poterlo riempire di significato».
Nel finale del film, il regista decide di stupirci: Saul Tenser si sforza di deglutire sulla sua sedia di ossa, progettata per aiutarlo a facilitare la digestione, e chiede a Caprice di porgergli una barretta di plastica. Lei riprende la scena, immortalando il momento in video. Mentre lui mastica la nuova sostanza, la sedia si assesta e il volto di Tenser muta. Il suo viso sembra rilassarsi, come se provasse sensazioni nuove e sconosciute. Cronenberg sceglie sapientemente l’inquadratura, che si stringe progressivamente sul volto del protagonista, concentrandosi sulla forza espressiva della catarsi conclusiva del personaggio interpretato da Viggo Mortensen. La macchina da presa avanza lentamente, lasciando spazio alla lacrima che scende sul volto sofferente di Tenser. La sua bocca si piega e sembra accennare un sorriso.
La fotografia in bianco e nero richiama La passione di Giovanna D’Arco di Dreyer, che esplora il tormento di una donna perseguitata e il martirio attraverso il cinema. Dreyer utilizza inquadrature strette e intense per trasformare la sofferenza di Giovanna in un’esperienza condivisa, capace di denunciare la brutalità e l’oppressione. Privo di sonoro, il film enfatizza la potenza visiva, mettendo in evidenza il sacrificio, la fede e la resilienza.
La lacrima finale, simbolo universale di dolore, viene ripresa da Cronenberg sul volto di Tenser, culminando in un primo piano che lascia lo spettatore in attesa. Il regista mantiene aperto il dubbio sulla conclusione: Tenser raggiunge la catarsi, ma il futuro resta incerto.
Crimes of the Future esplora la natura dell’umanità in un’epoca di cambiamenti corporei e identità fluide, proponendosi come un thriller filosofico capace di stimolare riflessioni profonde. Le domande iniziali rimangono nella mente dello spettatore: cosa ci rende diversi? È giusto vivere per l’arte? E se la nostra ricerca di un piacere ci portasse a cambiare noi stessi?
La narrazione evidenzia come il cambiamento sia inevitabile e come le trasformazioni vadano considerate un’evoluzione piuttosto che degli inconvenienti, sollevando interrogativi etici riguardo alla medicina e all’ingegneria biologica. Siamo davvero così lontani dalla realtà rispetto all’immaginazione del regista? Quali crimini potranno segnare la nostra società, trasformandola completamente?
Cronenberg enfatizza l’importanza della libertà creativa, suggerendo che la sofferenza possa essere reinterpretata come trasformazione. Unendo body horror e filosofia, la sua ultima pellicola invita a riflettere sull’evoluzione e sull’esistenza, richiamando la necessità di confrontarsi con questioni esistenziali fondamentali e mettendo in evidenza la scelta tra distruzione e rinascita.
