Questo mese dedichiamo la nostra rubrica di retrospettiva storica al genio di Federico Fellini.
La sua grandezza ha plasmato un intero secolo e ha segnato almeno un quarantennio di storia del cinema. Con la sua fantasia ha invaso la nostra, pervadendo la nostra immaginazione di figure e atmosfere poetiche e ossessionanti che, una volta entrate nella nostra mente, non la lasceranno più.
La sua carriera è stata brillante e debordante quanto la sua personalità. Inizia a essere riconosciuto negli anni Cinquanta con I vitelloni, premiato a Venezia nel 1953, e il suo ultimo film risale al 1990. Si forma all’interno del clima del Neorealismo, per poi prenderne le distanze e, come altri grandissimi autori, collocarsi nella storia del proprio genere artistico in maniera duplice, ambivalente. Da un lato, infatti, il suo cinema si può analizzare e apprezzare solo se considerato in rapporto alla storia del cinema moderno, che egli stesso ha contribuito a definire in modo irreversibile. Dall’altro, Fellini può essere visto come un autore completamente a sé stante, in virtù del suo stile personalissimo.
Federico Fellini sul set del La dolce vita (1960)
La modernità di Fellini consiste probabilmente nella consapevolezza, da parte del suo cinema, di vivere nella finzione e nella spettacolarità. Eppure, questo svelamento è quanto mai innocente e vivo, mai artificiale. Egli rappresenta il lato irrazionale del modernismo, la sua faccia più fantasiosa, emozionale e folle.
I film di Fellini entrano infatti in connessione con lo spettatore in maniera più emotiva che razionale o narrativa. Più che dimostrare qualcosa, il regista dichiara di volerlo semplicemente mostrare.
Il suo stile sfiora e mescola realismo e magia, mentre i suoi temi sono spesso legati ai grandi topoi della memoria e dell’autobiografismo.
Questo leitmotiv riesce a dare espressione all’urgenza di raccontare il senso di decadimento morale, talvolta di putrefazione e corruzione della mondanità – pensiamo, ad esempio, a Fellini Satyricon – che pure incontra una poesia talmente esplicita da sfiorare un surrealismo nostalgico, soprattutto quando il regista si volge al racconto dell’infanzia, come in Amarcord.
Il Fellini più conosciuto è infatti quello che si racconta attraverso i personaggi interpretati da Mastroianni, alter ego del regista. Quel Fellini che dialoga intimamente con il proprio spettatore, mettendolo a parte delle sue private ansie e angosce esistenziali, del ruolo dell’artista in 8½ e dell’impasse psicologica e sentimentale nel La dolce vita.
La ragazza pura e innocente incontrata sulla spiaggia nel finale di quest’ultimo film incarna un simbolo perennemente rincorso e mai raggiunto, proprio a causa della continua compromissione di quella purezza, che tuttavia si lascia percepire pienamente nell’atto artistico, almeno per un istante, prima di essere nuovamente perduta.
Marcello in La dolce vita di Federico Fellini (1960)
E così, attraverso questa perdita, si finisce perpetuamente nella frammentarietà dell’esistenza. Una frammentarietà che trova corrispondenza nella natura aperta e antinarrativa del cinema di Fellini, il quale riesce però, quasi magicamente agli occhi increduli dello spettatore, a costituire una perfetta e grandiosa unità in ogni singolo film.
